Vrai/Faux 2019 : Caballerango, Usine américaine, Le mois d'août le plus chaud, Trouver Frances

L'un des meilleurs films du festival, celui de Juan Pablo González 'Chevalier' capture des moments hantés de rechange à Milpillas, un village mexicain rural qui a été ébranlé par une série de suicides. Un cheval regarde d'un air absent la caméra. Une femme arrache la peau des cuisses de poulet. Deux hommes participent à un concours de sprint tandis qu'un groupe place des paris. Les gens travaillent pendant que le monde change autour d'eux. Le paysage reste le même.

Ces scènes ont une qualité indéfiniment étrange qui découle du choix de González de rendre sa caméra aussi invisible que possible. Il s'attarde sur les événements plus longtemps que la plupart des cinéastes, illustrant le passage du temps autant que l'action dans le cadre. Il interviewe des gens discutant des diverses pertes qui les ont affectés, eux et leur communauté – le suicide d'un fils, la fausse couche de sa sœur, la mort des amis de son frère – mais l'objectif de « Caballerango » reste productivement instable. Les suicides sont traités comme des tragédies individuelles tout en servant de microcosmes à la détérioration économique de la région, une avenue vers laquelle González préférerait faire un geste plutôt qu'explorer de manière didactique.



González emploie une stratégie rythmique créative pour communiquer son empathie envers la communauté Milpillas. Il conditionne son public à observer longuement le banal, à « faire l'expérience du cadre au lieu de quelqu'un qui l'édite », comme il l'a expliqué. dans Magazine du cinéaste pour décrire son court-métrage « La solitude de la mémoire ». Ainsi, lorsque l'inattendu envahit le cadre, il engendre la surprise ou l'effroi, comme une veillée nocturne qui arpente les rues. C'est une tentative d'habituer le public au rythme de la vie à Milpillas tout en démontrant comment les fantômes, métaphoriques et littéraux, perturbent en permanence la vie quotidienne. Les pulsions spectrales « Caballerango » tandis que les personnes elles-mêmes résident en son centre.

'Usine américaine'

Netflix a racheté Steven Bognar et Julia Reichert 'Usine américaine' pour moins de 3 millions de dollars après sa première mondiale à Sundance plus tôt cette année. Cela pourrait être une goutte d'eau dans le seau pour un service de streaming qui imprime essentiellement son propre argent, mais cela représente toujours ostensiblement la conviction qu'un documentaire sur une entreprise chinoise de fabrication de verre automobile à Dayton, dans l'Ohio, peut attirer un public important sur leur Plate-forme. Étant donné que le film aborde directement le sort de la classe ouvrière causée par la récession, la syndicalisation face à des superstructures d'entreprise indifférentes et les difficultés de réconcilier différentes cultures au plus fort de la mondialisation, Netflix aurait peut-être fait un bon pari.

En 2014, le milliardaire chinois Cao Dewang ouvre une usine de fabrication de Fuyao à Dayton. Pour les habitants, cela représente une nouvelle opportunité brillante, surtout après que General Motors a fermé son usine en 2008. Dans un premier temps, 'American Factory' se concentre sur le côté humoristique du choc des cultures : les travailleurs chinois, transplantés de la sécurité de leurs maisons et familles, découvrent les nuances de leurs pairs américains dans les salles de classe, tandis que les Américains font face à la nature hyper-centrée sur les détails des travailleurs chinois et à leur éthique de travail fidèle au travail. Pourtant, les tensions s'intensifient rapidement à mesure que la direction chinoise devient frustrée par ses homologues américains ainsi que par la législation du travail du pays. Des normes de sécurité laxistes et la menace imminente de l'automatisation suscitent des pourparlers syndicaux parmi les travailleurs, ce qui érode toute bonne volonté antérieure. Le film devient une chronique de la guerre séculaire entre les travailleurs et la direction, mais cette fois avec des implications mondiales faciles à tirer vis-à-vis du contrôle économique chinois et du sombre avenir de la fabrication américaine. Les métaphores s'inventent lorsque vous regardez des visions du monde inconciliables s'affronter en temps réel.

Le film de Bognar et Reichert manœuvre entre différentes tonalités à l'aise. C'est une comédie de poisson hors de l'eau à un moment et une mise en accusation brûlante de pratiques d'entreprise infernales le suivant. Ces changements de ton décontractés permettent aux moments vraiment horribles du film d'apparaître, comme lorsqu'un superviseur américain dit à son homologue chinois qu'il aimerait pouvoir fermer la bouche de ses travailleurs pour qu'ils ne parlent pas autant au travail, ou lorsque les sous-fifres de Dewang expriment leur incrédulité. à l'idée que les Américains ne travaillent pas le week-end. Il y a probablement un trop grand nombre de fils en jeu dans le film, mais même les éléments les plus digressifs contribuent à un portrait moderne du travail américain luttant contre une culture qui les a pratiquement abandonnés.

Ce qui m'empêche d'embrasser totalement «l'usine américaine» réside dans la décision macro-structurelle de Bognar et Reichert de fournir à chacun, des ouvriers de l'usine à Dewang lui-même, une plate-forme égale. Sur le papier, le choix est judicieux, une étape nécessaire pour fournir une image complète, mais lorsque le film se concentre sur les efforts de syndicalisation, il scanne parfois comme une tentative flagrante pour les méchants évidents de sauver la face. Bognar et Reichert assurent une présence stable et neutre, ce qui facilite évidemment l'accès et la confiance, mais leur incapacité à exprimer un point de vue critique fort devient un handicap. Tout le monde est humain, oui, mais lorsque certains individus ont pour objectif déclaré de mettre continuellement les travailleurs en danger pour économiser de l'argent, peut-être que certains sont plus humains que d'autres.

Je suis sorti de 'American Factory' en pensant que personne ne pouvait regarder ce film et repartir en pensant que les syndicats étaient tout sauf une nécessité. Effectivement, deux personnes derrière moi parlaient de la façon dont les syndicats 'avaient du sens pendant un certain temps', mais ils ont finalement engendré la paresse et étouffé l'innovation. Je ne doute pas une seconde des intentions de Bognar et Reichert, mais parce que 'American Factory' joue sur tous les fuseaux horaires, cela confirmera inévitablement les préjugés préconçus que vous avez déjà. Certes, ce n'est pas le boulot d''American Factory' de faire changer d'avis, mais à un moment donné, le choix de ne pas prendre une position politique plus dure fragilise le film.

'Le mois d'août le plus chaud'

L'histoire de Brett 'Le mois d'août le plus chaud' se concentre techniquement sur le spectre sombre de la catastrophe climatique mondiale imminente à travers les voix des New-Yorkais sur une période d'un mois, mais son objectif plus large est de résumer le sentiment de terreur qui imprègne actuellement le monde. En août 2017, Story a parcouru les cinq arrondissements, soit en se rendant à un événement spécifique dans la ville, soit en s'affichant à un seul endroit, pour filmer des conversations sur «l'avenir». Différentes angoisses remplissent l'air - économiques, sociales, raciales, politiques - et les témoignages interagissent directement avec le sentiment ineffable de catastrophe qui semble se cacher au coin de la rue. Parfois, les réponses sont mesurées tandis que d'autres sont rejetées. La récente inauguration de Trump plane sur la ville, sans parler des conséquences violentes du rassemblement Unite the Right ainsi que de l'éclipse solaire, que Story utilise comme serre-livres structurel. Entre ces entretiens, l'actrice Clare Coulter fournit une narration clinique, semi-extraterrestre; elle lit des extraits de Marx, Zadie Smith et un essai 'New Yorker' d'Annie Dillard. Le film de Story se présente comme une exploration longue de la ligne la plus effrayante de Paul Schrader ' Premier réformé » : « Ce système social n'est pas fait pour des crises multiples.

L'histoire et son éditeur Nels Bangerter communiquer visuellement et auditivement la terreur de bas niveau qui remplit maintenant nos vies assez efficacement. 'The Hottest August' est en roue libre de par sa nature même, sautant d'un sujet à l'autre, comme le saut d'arrondissement de Story. La peur collective et la manière dont elle s'exprime maintiennent le lien entre les entretiens. C'est ainsi qu'un jeune diplômé d'université préoccupé par les perspectives d'emploi peut se sentir en accord avec les clients d'âge moyen du bar de Staten Island qui discutent du racisme, même si les angoisses exprimées sont diamétralement opposées. Story laisse ses sujets parler librement et intervient pour approfondir la conversation ou remettre en question les réponses. (Le meilleur exemple pourrait être lorsqu'elle interroge un gestionnaire de fonds spéculatifs sur la valeur du capitalisme.) Elle rencontre ces New-Yorkais à un moment critique, et bien que tous soient conscients du désespoir respectif, aucun ne se sent particulièrement désespéré. L'effondrement systémique n'écrase pas nécessairement l'espoir individuel.

L'histoire a clairement inversé 'The Hottest August' à partir des nombreuses interviews qu'elle a menées, et bien que ce soit une stratégie créative valable, le projet semble parfois improductif et diffus. Il vit et meurt par le charisme de ses sujets, qui varient énormément, et certains participants, comme un artiste de performance futuriste, ne sont tout simplement pas assez engageants pour justifier le temps passé avec eux. Je n'ai pas pu m'empêcher de me demander si le film aurait un impact plus fort sur moi si la portée se limitait exclusivement au changement climatique. En même temps, « The Hottest August » réussit le portrait d'un New York en crise et je me vois bien revenir sur certains éléments digressifs lors d'un second visionnage. C'est un film colossal, qui, je prédis, sera majeur s'il est distribué, qui met en bouteille notre esprit déprimant avec un maximum de perspicacité, et pourtant je me sentais toujours déçu. Peut-être que le simple fait de vivre dans cette culture vous le fera parfois.

« Retrouver Françoise »

Bien que cela ne me soit jamais venu à l'esprit lors de sa diffusion, 'Nathan For You', la série satirique de docu-réalité co-créée par et mettant en vedette le comédien Nathan Fielder , correspond parfaitement à Vrai/Faux. Les propositions de marketing élaborées et contre-intuitives de Fielder pour les entreprises en difficulté, offrant un rabais de station-service presque impossible à réclamer ; exploiter la doctrine de l'utilisation équitable pour rebaptiser un café en difficulté sous le nom de Dumb Starbucks ; utiliser une construction théâtrale pour aider un bar à contourner une interdiction de fumer - a toujours chevauché la frontière entre l'art de la performance et la narration non romanesque. Fielder et son équipe ont utilisé de nombreux principes de la réalisation de films documentaires pour réussir leurs cascades, trouvant de l'humour dans les écarts entre leurs intentions nobles mais erronées et la volonté des participants de les suivre. 'Nathan For You' soulève de nombreuses questions philosophiques et éthiques standard auxquelles les documentaristes 'sérieux' sont confrontés au cours de leurs propres projets, ainsi que certaines questions juridiques. (Un ami a souligné que Fielder devait avoir occupé l'équipe juridique de Comedy Central tout au long de la série.) Toutes ces qualités font de 'Nathan For You' un appât Vrai / Faux pur et sans entraves.

Je ne répéterai pas l'intrigue de la brillante finale de la série 'Nathan For You' 'Finding Frances' dans cet espace ; il est facilement disponible en streaming et vous pouvez lire plusieurs récapitulatifs ou critiques si vous le souhaitez, dont un écrit par Errol Morris . Cependant, je dirai que regarder le film / épisode (je n'entre pas dans ce débat) au Missouri Theatre, où les 1 200 sièges étaient remplis soit d'acolytes Fielder, soit de nouveaux venus curieux, était un véritable événement. Rétrospectivement, c'était un ajustement parfait pour le festival: un plaisir audacieux pour la foule qui non seulement pousse le projet de Fielder à sa limite, mais vibre également parfaitement avec le reste de la programmation. Il n'est pas surprenant que True / False essaie apparemment de faire venir Fielder en Colombie depuis un certain temps. Effectivement, la foule a traité Fielder comme une rock star quand il est arrivé pour le Q&A (le gars assis à côté de moi a sauté sur ses pieds et a crié comme si Mick Jagger déambulé sur la scène). Il a répondu à plusieurs questions dans sa merveilleuse cadence impassible et a projeté quelques scènes supprimées pour le public. 'Finding Frances' illustre que True/False peut se livrer à son côté populiste sans abandonner ses principes.

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