Focus sur les cinéastes féminines : Anisia Uzeyman et Saul Williams sur Neptune Frost

Initialement envisagé comme un roman graphique en 2013 avec des idées explorées plus tard dans l'album de 2016 MartyrPerdantRoi, le premier long métrage de l'artiste aux multiples traits d'union Saül Williams et artiste et directeur de la photographie d'origine rwandaise Anisia Uzeyman , 'Neptune Frost' est une comédie musicale punk de science-fiction afrofuturiste explosive. Après avoir fait ses débuts dans la section Quinzaine des réalisateurs au Festival de Cannes 2021, il a fait le tour des festivals pendant des mois, notamment au Festival international du film de Toronto, au Festival du film de New York et à Sundance. Ce vendredi 3 juin, il fera ses débuts en salles aux États-Unis via Kino.

Aussi riche en idées thématiques que coloré, Williams et Uzeyman ont créé un univers qui leur est propre. Situé sur les hauteurs du Burundi, 'Neptune Frost' suit un groupe de mineurs de coltan en fuite qui forment un collectif de hackers anticolonial. Avec des performances époustouflantes de Elvis Ils et Cheryl Isheja en tant que titulaire Neptune, une fugue intersexuée dont l'amour nouvellement retrouvé conduit le collectif vers ses objectifs progressistes, 'Neptune Frost' existe dans un espace liminal, entre le binaire, où la liberté se trouve dans la nature et la technologie.

Pour la rubrique Female Filmmakers in Focus de ce mois-ci, RogerEbert.com a parlé à Williams et Uzeyman sur Zoom du processus créatif collaboratif, de la poétique du cinéma et de la façon dont l'histoire de Neptune est en fait un très vieux histoire.



Ce film ne m'a pas quitté l'esprit depuis que je l'ai vu lors du TIFF en septembre dernier. J'ai lu que vous aviez initialement envisagé cela comme un roman graphique et une comédie musicale avant qu'il ne devienne un film. Ce sont trois médiums très différents. Comment avez-vous réalisé que cela devait vraiment être un film ?

SAUL WILLIAMS : C'est vrai que ça a été conceptualisé comme une comédie musicale et un roman graphique.

ANISIA UZEYMAN : La musique.

SW : Oui, exactement. Nous n'avons jamais abandonné le roman graphique. Ça sort l'année prochaine. Je suis juste super surpris que nous ayons battu le roman graphique. D'autre part, le passage de l'idée de scène à l'idée de film s'est produit après qu'Anisia et moi avions déjà fait une résidence BANFF pour la pièce de théâtre. Nous y avions passé 14 jours à travailler sur le scénario de la scène. Ensuite, nous avons commencé à rencontrer des producteurs, et l'une des personnes que nous avons rencontrées est devenue notre producteur exécutif principal. Stéphane Hendel était comme, j'aime cette idée. Il avait produit Féla ! à Broadway. Alors il dit: «C'est génial. Je pense que vous avez tous ce qui pourrait être un film encore plus génial. Nous étions peut-être un peu dédaigneux au début, comme si c'était une pièce de théâtre. C'est aussi parce que nous sommes tous les deux acteurs. Donc, ça allait être un véhicule dans lequel nous nous voyions tous les deux. Une fois que nous y avons pensé, cependant, et réalisé ce qui pourrait arriver si nous nous écartions, nous aurions l'opportunité de travailler avec tout ce talent pour montrer de nouveaux visages et tourner sur place. C'est finalement devenu [un film] en 2016, parce que nous avons commencé à rêver cela peut-être vers 2012. En 2016, nous sommes allés au Rwanda. C'était ma première fois, et ce n'était pas pour Anisia bien sûr. Elle m'a emmené avec elle au Rwanda et nous avons commencé à nous concentrer sur le tournage de la bobine de grésillement, et avons rencontré nos acteurs et notre équipe. Nous avons réalisé que nous avions pris la meilleure décision de tous les temps.

Quel a été le processus de casting une fois arrivé au Rwanda ? Quel genre de nouveaux visages recherchiez-vous ?

AU : C'était très, très aligné. Nous y étions donc en 2016, juste pour sentir le lieu et aussi avec l'artiste qui travaille avec nous sur le roman graphique.

AU : Oui, pour qu'il puisse imaginer le lieu où se déroule l'histoire.

SW : Bien que nous ayons toujours su que l'histoire se déroulait au Burundi, nous ne pouvions pas aller au Burundi à cause des troubles politiques. Nous savions que le paysage rwandais ressemblait beaucoup au paysage burundais.

AU : Nous avons d'abord rencontré Kaya Free, qui joue Matalusa, d'une manière très, très directe. Il avait un spectacle où il se produisait. Juste après que nous ayons parlé et ça a juste cliqué. Il était tellement enthousiaste à l'idée et Kaya est une réfugiée burundaise qui vivait au Rwanda à l'époque. Nous sommes en 2016 et il y a eu une énorme agitation politique au Burundi en 2015. Beaucoup de réfugiés burundais étaient au Rwanda à cette époque. Beaucoup d'artistes, d'activistes, d'étudiants, de journalistes, etc. Tous ces gens faisaient partie de la scène vibrante de Kigali à cette époque.

SW : Qui faisait partie de l'alignement synergique auquel Anisia faisait référence, parce que nous avions une histoire dont nous savions qu'elle se déroulait au Burundi. Nous savions que nous devions tourner au Rwanda. Nous allions passer une audition et nous avons eu la surprise de rencontrer tout ce nouveau jeune talent burundais se mêlant au talent rwandais. Nous avons donc rencontré Kaya.

AU : Nous avons rencontré Kaya, qui nous a présenté son meilleur ami Trésorier Niyongabo , qui joue Psychologie dans le film, qui est un journaliste qui a été étudiant et qui a également fui le Burundi. Puis il nous a invités un jour, un après-midi sur un terrain de foot. Nous sommes arrivés et avons découvert, genre 15 percussionnistes burundais en train de répéter.

SW : Portant ces énormes tambours sur la tête.

AU : Il était comme ceux-ci sont mes amis.

SW : Ce sont mes amis et ils ont également traversé la frontière.

AU : Ils avaient traversé la frontière avec leurs énormes tambours, et essayaient de trouver leur place et de partager leur art à Kigali. Ensuite, nous avons rencontré Cheryl Isheja, qui joue Neptune, l'un des Neptunes, lors d'un événement. Nous l'avons vue et nous nous sommes demandé si vous vouliez essayer ça ? Finalement, nous avons découvert qu'elle était déjà DJ, beat maker, chanteuse et qu'elle faisait déjà partie intégrante de la scène locale.

SW : Donc, Anisia organisait des tests d'écran à ce moment-là. Nous amenions les gens à l'endroit où nous logions et Anisia faisait des tests d'écran avec les acteurs et avec les batteurs.

AU : En 2016, je dirais que la moitié de notre casting était déjà là, ce qui nous a permis de travailler plus longtemps avec eux.

SW : Les histoires qu'ils ont partagées avec nous ont influencé l'écriture du scénario, car le scénario n'a pas été fait. A cette époque, la musique n'était pas terminée. À cette époque, nous faisions même des enregistrements là-bas pendant qu'ils racontaient leurs histoires. Cela a donc été intégré à une partie de la narration, même si nous avions un concept étoffé et l'histoire que nous savions que nous racontions, leurs histoires trouvaient toujours un moyen d'y entrer. Nous avons également rencontré notre costumier, au cours de la première semaine là-bas, Cedric Mizero, qui juste après notre première rencontre, et nous lui racontant ce que nous pensions et à propos de l'histoire, s'est présenté à la deuxième rencontre avec des sandales faites de cartes mères. Et nous étions comme, d'accord, vous l'avez compris.

AU : Il avait 22 ou 23 ans à l'époque. Je dirais que l'histoire a juste attiré les gens. C'est vrai qu'on n'est pas rentré dans le casting habituel. Fait très intéressant, l'histoire et le matériel que nous étions prêts à explorer attiraient les bonnes personnes. C'était juste comme, l'un après l'autre.

SW : Vous devez rencontrer un tel, donc vous devez connaître un tel, je vais faire venir un tel.

AU : Nous n'avions pas de directeur de casting, par exemple.

J'adore cette histoire sur les batteurs, qui me rappelle la façon dont le mouvement de la caméra capture vraiment le pouls de la musique. Comment avez-vous développé le tournage des séquences musicales ?

AU : Je pense que tout vient du fait que j'étais présent lorsque la musique a été créée. J'ai eu l'occasion de suivre chaque étape de la construction de cette musique et de la construction du monde en termes de sons. J'imaginais des mouvements. Donc, en écrivant l'histoire, j'orientais toujours l'écriture vers quel est le mouvement qui peut transmettre cela, quelle est la couleur qui peut transmettre cette émotion ? J'étais presque en train de chorégraphier les séquences.

SW : Ce qui est très instructif pour moi dans le processus d'écriture, c'est qu'il faut tenir compte du mouvement de la caméra. Dans le processus d'écriture, elle était comme, mais comment la caméra capturerait-elle cela? Elle était concentrée là-dessus. L'idée qu'Anisia ait tourné c'était parce que, personnellement, j'étais déjà amoureux de la façon dont elle tournait de la musique, de sa relation avec la caméra et de sa relation avec la musique de tournage et les musiciens déjà, sans parler de l'amour qu'elle a pour les acteurs, et comment elle tire sur les acteurs. Et puis la relation avec le Rwanda bien sûr.

AU: C'était ce bâtiment de décor fou. Comme vous le voyez, il y a beaucoup de mouvement d'ensemble, beaucoup d'imagination aussi, ou d'inventions de manières de filmer, parce qu'on a travaillé avec du matériel vraiment peu conventionnel. Tout ce que nous avons construit nous-mêmes, les lumières et toutes ces choses. Il s'agissait donc vraiment de rencontrer un moment créatif, et aussi de sécuriser quelque chose qui serait techniquement convaincant. Je pense que le fait est que pour tourner une comédie musicale, chaque mouvement parle ou danse. Il y a une scène qui me vient à l'esprit, qui est dans ' Le génie », la comédie musicale qui m'a vraiment inspiré. Il y a une scène dans 'The Wiz' où la couleur change et nous voyons les lumières comme un personnage.

SW : Même la caméra est un personnage.

AU : Ce type de jeu et de précision m'a vraiment inspiré en ce qui concerne la façon dont la caméra bouge avec la chorégraphie, puis comment elle intègre les couleurs en tant que significations ainsi qu'un rythme. Toutes ces choses.

SW: C'était super influent. Je ne veux pas qu'Anisia passe sous silence, dit-elle, mais je veux m'assurer qu'il est clair que nous avons construit les lumières du cinéma, les rails, il n'y avait pas de location là-bas. Donc tout a été construit pour le film, y compris le décor et tout ça. Les lumières, les 18 kilos, les panneaux LED, nous avons construit tout cela et Anisia a supervisé la construction de tout cela. Dans la séquence de rêve en fait, c'est vers le début du film, ils ont construit des montagnes russes dans cette carrière. Nous étions dans cette carrière de roche dans la scène qui se passe la nuit avec une chanson intitulée 'Binary Stars'. Cela a pris une éternité. Nous n'avons pas commencé à tourner je ne sais pas avant 3 heures du matin ou quelque chose comme ça. C'était la pleine lune. C'était beau. Ils ont construit ces montagnes russes voyageant au-dessus de cette carrière de roche. C'est le mouvement de la caméra qu'Anisia surveillait. C'était tout simplement fantastique à voir. Stressant sur le moment.

AU : Cela mettait aussi l'équipe technique dans une sorte d'énergie. Droit? Je me souviens que nous faisions des casseroles quand la musique était là. Donc, le set était de la musique tout le temps.

SW : Ouais, je me souviens de cette scène avec des œufs de gardon, [en chantant] 'Je me suis réveillé le matin...' et donc le rythme est bien bien bien . Et je me souviens d'Anisia avec les caméras se déplaçant vers le tambour comme cha cha cha . C'était comme 'Putain de merde, d'accord, c'est bon.' J'étais tellement excité que j'ai jeté mon dos.

AU : C'était pour les danseurs, les chanteurs et la lecture de musique. En ce qui concerne l'équipe technique, nous avons dû les rencontrer là où ils étaient.

J'aime la façon dont tu joues avec l'idée de ce qui est à moi, mais aussi l'esprit, et aussi l'exploitation minière. Utiliser ce type de structure poétique pour explorer la façon dont ces trois choses ont des significations différentes tout en étant liées.

SW : Pour quelqu'un qui aime la poésie, ce n'est en aucun cas quelque chose que je voulais cacher dans le film. Je vois vraiment, à bien des égards, le grand écran comme une grande page. Comme une façon de pouvoir jouer avec le langage dans un monde imaginaire. Imaginer comment ces gens communiquent. Donc la salutation, 'mine d'or à l'unanimité'. Ou comme vous l'avez dit, cette question de ce qui m'appartient, la question de la propriété. Il y a beaucoup de recherches dans ce film. Quand vous pensez à la question de la propriété par rapport aux États-Unis, avec les terres autochtones et les peuples autochtones, et l'idée occidentale de la propriété, par rapport à l'idée que la terre est quelque chose que vous respectez, que personne ne possède, cette question de ce qui est le mien résonne de cette façon.

Ensuite, ce qui est extrait, bien sûr, traite du fait récurrent que nous vivons nos vies si fortement dépendantes des ressources que nous ne cultivons pas ou n'exploitons pas dans ce pays. Je ne peux pas commencer ma journée sans mon café, ton café, tu sais, d'où vient-il ? Votre thé ? D'où est ce que ça vient? La gomme de vos pneus, le coton de vos vêtements, l'or de votre montre, le coltan de votre smartphone et le lithium de votre véhicule électrique ? D'où est ce que ça vient? La réponse est si souvent le même endroit, le même continent, la même raison, le même type d'exploitation. Donc, l'idée de ce qui est miné et de ce qui est mien était quelque chose avec laquelle j'essayais de jouer, au nom de la liberté que nous voulions en quelque sorte explorer dans le langage, mais aussi politiquement à l'écran. Il n'y aurait aucun doute sur ce dont nous parlions, mais aussi beaucoup de questions.

J'ai certainement écrit plus de questions que de réponses. Puis quand c'était fini, je me suis dit, wow, je dois revoir ça avec un programme. Vous avez parlé un peu du casting de Neptune, qui est un personnage intersexué, et il y a beaucoup de jeux avec le genre dans ce film en plus de tout ce que vous explorez. Comment avez-vous développé ce personnage et procédé à son casting ?

AU : L'histoire tourne autour de questions binaires.

SW : Ça a commencé là. Le 01 le XY, le boum bap. Toutes ces choses. Nous y sommes allés avec ces questions. Neptune a été écrit comme un personnage intersexué depuis le début.

AU : Je pense que l'idée aussi poétique d'avoir un personnage intersexué est aussi de connecter la technologie à l'ascendance, de connecter les mythologies au futur. Que se passe-t-il lorsque vous les connectez ? Quelle est la puissance révélée ? Qu'est-ce qui est produit ? Il y avait une scène qui n'est pas là dans le film, mais qui explorait également comment quelqu'un qui est assigné à un homme à la naissance reçoit le monde et explore le monde, et que voit cette personne et ce qu'elle traverse, et ce qui est offert pour eux, et comment ces choses changent lorsque vous entrez dans ...

SW : ... votre sens de vous-même, par opposition à ce qu'on vous met dessus.

AU : Donc c'était vraiment l'histoire que nous racontions. Il y a vraiment beaucoup de choses qui entrent dans le regard qui est posé sur vous quand on vous l'attribue ou quand vous le choisissez. Je pense que c'était une façon de parler d'un sujet politique très important. À ce moment-là, le Kenya, l'Ouganda, tous les pays autour desquels nous tournions en Afrique de l'Est, étaient soumis à des lois très violentes. Des lois très néo-coloniales.

SW: Les évangélistes américains arrivaient dans beaucoup de ces pays et agitaient de l'argent et disaient, vous savez, voici une loi qu'à l'époque, ils pensaient ne jamais pouvoir faire passer aux États-Unis. Mais nous obtiendrons ce type d'argent si vous pouvez adopter cette loi ici. Il y a donc encore beaucoup de lois homosexuelles et anti-LGBTQIA. Vous le ressentez même encore plus fortement maintenant ici aux États-Unis. Il y avait un désir que nous avions de parler et à travers le temps. En parcourant nos frises chronologiques, nous avons eu, comme vous, beaucoup de questions. Nous avions beaucoup de questions sur la technologie et l'exploitation analogique. Beaucoup d'interrogations sur cette rigidité autour des questions de genre et des réalités de genre. Bien sûr, nous jouons aussi avec, comme nous l'avons dit, cette exploration du smashing ou du dépassement du binaire. Alors, comment illustrons-nous cela? Comment éclairons-nous cela ? Donc, le casting et tout cela reflétait toutes ces choses. En fin de compte, nous savions comment nous voulions que les gens l'ingèrent. Nous savions que nous voulions qu'il ait ce sens, presque comme un conte de fées, et cela semble donc être la meilleure façon d'y parvenir.

AU : Comment vivez-vous une expérience transformatrice ? Qu'est-ce qu'une expérience transformatrice ? Et comment l'intègre-t-on dans un conte ? Nous étions chez Kaya, car nous voulions potentiellement faire de la mère de Kaya la nonne.

SW: La mère de Kaya est extrêmement religieuse, et donc elle était comme, je n'agis pas. Je n'y crois pas. De quoi parle l'histoire? Alors, avec un peu d'hésitation, je raconte l'histoire du film. Et cette femme, qu'on sait extrêmement religieuse et rigide, dit : « Oh, changer de sexe comme ça ? Eh bien, Kaya, c'est exactement comme l'histoire que je te racontais quand j'étais enfant. Ceci est un vieux conte folklorique. C'est un vieux conte folklorique burundais. Cette histoire existe déjà. C'est un conte populaire burundais. Il existe. Nous l'avons toujours su. C'est l'autre chose, n'est-ce pas ? Cette rigidité est néo-coloniale. Cette rigidité est imposée. Nous savons mieux que cela. Et donc une partie de notre intérêt ici était de libérer ce type de narration et de récit. Ce fut une belle surprise. Elle n'a pas fini par jouer la nonne. En fait, nous avons été doués par la présence de Cécile Kayirebwa, qui est une figure emblématique, chanteuse et poète rwandaise bien-aimée, qui a fini par jouer la nonne. Ce fut une autre belle surprise. Sa volonté de faire ses débuts à l'écran à l'âge de 75 ans et d'enchanter le casting et le film, et de cette façon un peu comme transmettre à une nouvelle génération d'artistes. Mais, c'était éclairant de s'asseoir avec la mère de Kaya et de penser que nous racontons une nouvelle histoire moderne, et pour elle de dire que c'est une très vieille histoire.

AU : D'une certaine manière, nous le savons tous. Nous en faisons tout un plat parce que nous sommes habitués à ce que ce soit un gros problème. Si vous faites un conte sur ce qu'est l'oppression, ce qu'est l'exploitation, à un moment donné, vous vous rencontrerez aux intersections de tout cela. C'est une affectation, comme dans le genre.

SW : Vous allez apprendre ce qui a été imposé. Vous allez apprendre l'histoire de l'endroit où les choses sont imposées.

Pour ne pas le ramener à nouveau à un binaire, mais y a-t-il des réalisatrices qui ont fait des films qui vous ont inspiré ou dont vous pensez peut-être que les gens n'ont pas entendu parler et qu'ils devraient rechercher ?

AU : Du haut de ma tête, je pense à « Losing Ground » de Kathleen Collins. Une découverte importante pour moi. Il y a toute une partie de films, surtout de femmes cinéastes américaines, qui sont très difficiles d'accès en dehors de ce pays et déjà dans ce pays c'était difficile à trouver. Je savais que c'était important. Je l'ai cherché longtemps avant de pouvoir le trouver, puis tout à coup il est devenu disponible. Ce film est, je pense, très beau. La définition de ce qu'une femme a à dire et comment elle le dit. je pense aussi à Naomi Kawase . Le film qu'elle a fait avec cette grand-mère qui a perdu son enfant. Quel est le nom de ce film ? Il a de beaux clichés dans les plantations de thé.

'La forêt du deuil.'

AU: Sa cinématographie, sa façon de transmettre la nature qui est presque une étreinte de ces personnages, qui est presque comme une consolation, qui travaille organiquement vers le chagrin. Je l'aime beaucoup. Maya Deren, bien sûr, parce qu'en matière de tournage de musique. C'est marrant, il y a ce film, « Cavaliers divins : les dieux vivants d'Haïti », qu'elle a fait, qu'elle n'a pas eu le temps de monter juste avant de mourir. Donc, le film qui est là-bas a cette voix off étrange. Cette masculinité qui est mise dessus. Mais vous pouvez toujours la voir dans le film. Ce sont ses images, c'est sa caméra et c'est son mouvement. Elle filme des danses et des transes, et on a moins l'impression que la caméra et son corps sont vraiment en symbiose avec ces mouvements. Certaines de ces images sont juste très rares et très investies. Je parlais avec une de mes amies, et j'ai oublié qu'en fait, elle est morte juste après ça. Elle est entrée dans cet espace magique. Nous parlions du fait que ces esprits ne voulaient peut-être pas d'elle là-bas. Que s'est-il passé, que s'est-il passé ? Qu'est-ce qui a fait cela ? Vous sentez cela dans ce matériau. J'aurais aimé qu'il y ait une version sans voix off, j'aurais aussi aimé qu'elle ait pu terminer le tournage pour que nous puissions voir ce qu'elle voulait vraiment en faire. Maya Deren est certainement quelqu'un. Qui est-ce que j'oublie ?

SW : Chantal Akermann .

Elle est incroyable. Avez-vous une de ses préférées ? Elle avait tellement de films.

AU : « Jeanne Dielman » est une masterclass. Une masterclass en patience. En relation avec les personnages. J'adore aussi... Je ne vais pas retenir le titre en anglais. 'Je Tu Il Elle.' Elle se filme. C'est un très bel autoportrait, et aussi sur la façon dont vous partagez des sentiments inconfortables ? Comment gérez-vous votre genre et votre sexualité ? Comment tout cela vous arrive-t-il ? Et comment le partagez-vous ? Je trouve que c'est magnifique.

'Neptune Frost' sera diffusé dans certains cinémas à partir du 3 juin.