Festival du film de Telluride 2021 : Hallelujah : Leonard Cohen, The Velvet Underground, Bernstein's Wall

Telluride a généralement centré des documentaires qui célèbrent les artistes, et trois de leurs films de non-fiction les plus médiatisés de cette année inhabituelle ont détaillé la vie de musiciens incroyablement influents. Je suis allé dans ces trois films en exprimant mon aversion générale pour les bio-docs à ma femme. Ils sont généralement structurellement plats ('Ceci est arrivé, puis ceci s'est produit, puis cela s'est produit…') et consistent souvent en des anecdotes ou des ouï-dire racontés via des entretiens avec des têtes parlantes. Bâillement. Après avoir regardé ces trois films, je me rends compte que c'est seulement que je n'aime pas mal bio-docs, et il y a encore beaucoup de vie sous cette forme quand c'est bien fait.

Être juste, 'Alléluia: Leonard Cohen , Un voyage, une chanson” n'est pas un bio-doc traditionnel dans la mesure où il met en valeur une seule œuvre d'art plus que l'artiste qui l'a réalisée. Cependant, Dan Geller et Dayna Goldfine Le film utilise vraiment le chef-d'œuvre de Cohen comme centre d'un voyage à travers la vie, les amours et le travail de l'un des meilleurs auteurs-compositeurs de tous les temps. La plupart des chansons ne pouvaient pas supporter le poids d'un projet comme celui-ci - 'Hallelujah' n'est pas comme la plupart des chansons. Non seulement il est devenu l'un des morceaux les plus appréciés de tous les temps, mais il a changé et changé au fil des ans, devenant un moyen de lire non seulement la carrière de Cohen, mais aussi la façon dont il a influencé l'ensemble de l'industrie de la musique. Certes, je suis un énorme Fan de Cohen, donc mon point de vue sur ce projet pourrait être un peu biaisé, mais je l'ai trouvé éclairant dans la façon dont il sort Cohen des ombres de l'écriture de chansons de sa propre création et détaille non seulement son processus, mais ses liens avec le monde de la musique.

Geller et Goldfine mettent en fait un certain temps pour arriver à 'Hallelujah', servant un bio-doc plus traditionnel pour le premier tiers du film, frappant un ton doux et intellectuel comme Cohen lui-même. Il y a des histoires de collaborateurs comme Judy Collins, qui parle en entendant 'Suzanne' pour la première fois, ou méga-producteur Clive Davis , qui laisse tomber ce joyau : « Personne n'a marché sur son chemin ; il n'a suivi le chemin de personne d'autre. L'image de Cohen qui émerge au début du film est celle de quelqu'un qui était un aîné respecté dès le début, entrant dans sa scène de musique folk plus âgée que beaucoup de ses collègues et avec une vision poétique du monde.



Cohen était également un perfectionniste obsessionnel, et cela alimente la création de 'Hallelujah', une chanson sur laquelle il a travaillé pendant des années, révisant apparemment plus d'une centaine de couplets jusqu'à ce qu'elle soit parfaite. Et puis, notoirement, le réviser à nouveau, de son enregistrement original, qui a bombardé, à des spectacles en direct où la chanson a pris un ton sexuel très différent. La plupart des couvertures au fil des ans l'ont même modifié davantage, faisant partie de la première version et une partie de la seconde - croyez-le ou non, le ' Shrek La version qui a rendu la chanson populaire pour une nouvelle génération est sa propre version hybride, et souvent c'est maintenant l'une des plus couvertes. La chanson a eu une vie, changeant et changeant selon le temps et l'interprète.

J'ai adoré l'aspect historique de la musique de 'Hallelujah' en ce sens qu'il n'existe pas vraiment sans une ligne qui peut être tracée de Collins à Ratso Sloman à Bob Dylan à John Cale à Jeff Buckley à Brandi Carlisle et ainsi de suite. Le film commence à traîner un peu dans la dernière demi-heure d'une durée de deux heures, mais c'est toujours un portrait entraînant du pouvoir d'expression, quelque chose que Leonard Cohen a perfectionné plus que la plupart des auteurs-compositeurs qui aient jamais vécu.

J'étais moins un fan inconditionnel de Lou Reed et John Cale, et pourtant cela n'a pas du tout gâché mon plaisir de Todd Haynes ' excellent 'Le Velvet Underground', qui sera présenté en première sur Apple TV + le mois prochain. Comment racontez-vous l'histoire d'un groupe d'avant-garde comme The Velvet Underground dans le format traditionnel du bio-doc ? La réponse est, bien sûr, que vous fassiez un documentaire d'avant-garde, qui capture un groupe très unique d'une manière très unique. Il y a encore de longs segments d'interview dans le film de Haynes, mais quiconque pensait que le réalisateur de 'Superstar: The Karen Carpenter Story' et 'I'm Not There' ferait un documentaire musical typique ne connaît clairement pas son travail.

Dès le début, Haynes tente de créer une œuvre d'art qui ne se contente pas de raconter l'histoire du Velvet Underground, mais reflète leur esprit créatif. Il change constamment la taille et l'emplacement du cadre. Par exemple, dans la première partie du film, des images en gros plan d'un sujet comme Lou Reed ou John Cale étant silencieux et presque toujours en boucle sur une moitié du cadre tandis que des images d'archives se déroulent sur l'autre qui détaille ou accessoirise ce qui est entendu. dans les images d'interview. Il peut être difficile d'envelopper votre cerveau. Et ce n'est que le début. Les interviews occuperont les deux tiers du cadre, laissant la partie gauche noire, juste parce que. Cela conduit à une réorientation constante en tant que spectateur, un peu comme ce que le groupe essayait de réaliser à travers sa musique pour les auditeurs.

Haynes fait des choix brillants tout au long de 'The Velvet Underground', des images d'archives qu'il choisit pour accompagner l'histoire d'un groupe très inhabituel, à l'accent mis sur le processus et la collaboration. Le film s'ouvre vraiment lorsque Cale et Reed se rencontrent Andy Warhol , qui, bien sûr, a changé l'histoire de la musique. Cela devient une œuvre sur ce qui émerge des communautés artistiques et comment ce sentiment de soutien et de collaboration peut produire le genre de génie qui se répercute au fil des années (entendre Jonathan Richman parler de l'influence du groupe sur lui est un délice). C'est un film intelligent et créatif. Peut-être que la meilleure chose que je puisse dire à ce sujet est que je pense vraiment que Lou Reed l'aurait creusé.

Enfin, il y a Douglas Tirola s 'Mur de Bernstein', une étude tendre et intellectuelle d'une autre des figures musicales les plus importantes du 20 e siècle, Léonard Bernstein. N'utilisant presque rien en termes d'interviews autres que la propre voix de Bernstein, enregistrée à différents moments mais (je pense) principalement à la fin des années 70, Tirola déballe la vie d'un homme très complexe, un génie qui a caché sa sexualité pendant la majeure partie de sa vie et est également devenu un partisan étonnamment vocal du changement social. Le récit de Bernstein s'étend de la Seconde Guerre mondiale à la lutte pour arrêter la guerre du Vietnam, et encadre Bernstein d'une manière qui enrichit ses offres au monde de la musique en révélant à quel point il était passionné et franc sur d'autres scènes également.

Cependant, Tirola ne perd pas ce qui a vraiment motivé Bernstein et c'était le fait qu'il était un génie musical. Le regarder conduire, c'est comme regarder un maître peintre mettre le pinceau sur la toile. Il y a quelque chose de presque impossible à ce sujet. Nous regardons les gens faire du sport ou des instruments, et nous pouvons en quelque sorte comprendre la mécanique, mais les chefs d'orchestre font quelque chose qui est presque plus difficile à définir, quelque chose qui semble transcendant.

J'ai également admiré le fait que le film de Tirola essaie de faire correspondre le flux élégant d'un morceau de musique, glissant dans et hors des chapitres de la vie de Bernstein comme une symphonie avec grâce et beauté. En fin de compte, ce n'est qu'un moment agréable passé avec un homme éloquent et perspicace, capturé dans un film qui rend justice à son héritage.