Fantasia 2018 : L'homme qui a tué Hitler, puis le Bigfoot, Luz, Cam

Pour un film comme ' L'homme qui a tué Hitler puis le Bigfoot ', tout commence par le titre. Vous pensez que vous savez ce que vous allez obtenir, et pour la plupart, vous auriez raison... Sam Elliot joue un homme qui, il y a longtemps, a tué Hitler. Et plus tard dans le film, il tue Bigfoot. Mais tout comme ce film commence par une promesse pulpeuse, l'histoire du scénariste / réalisateur Robert Krzykowski s'avère d'une beauté profonde et sans prétention. Comme le western révisionniste de Clint Eastwood ' non pardonné », le titre se révèle ne pas être une déclaration héroïque, mais une malédiction.

Une ballade sage, étrange et inoubliable, 'L'homme qui a tué Hitler et ensuite le Bigfoot' est celle qui fait mieux avec la contemplation une fois que vous vous séparez de l'attente. Si vous allez au film en voulant faire un high-five à un film qui promet Elliott comme un dur à cuire, vous serez déçu. Krzykowski sait qu'un film axé sur la violence résonne vraiment lorsque les scènes entre l'action sont encore plus mémorables. Dans le cas présent, ce film contient des passages fortement axés sur le dialogue qui réfléchissent à l'alternance de chance et de malédictions qu'il a connues dans sa vie, comme avec un Européen lors d'un rasage de près avant la mission d'assassinat de Calvin, ou avec un 20 dollars récemment trouvé. facture, en la remettant à un commis de dépanneur joué par Ellar Coltrane de ' Enfance .”

Krzykowski présente les flashbacks de Barr sur le meurtre d'Hitler et le temps de la guerre avec beaucoup de détails dans le rythme et la conception de la production, leur rêverie renforcée par Joe Kramer la partition orchestrale traditionnelle de . Tout autant, en tant qu'éditeur, Krzykowski est parfois précieux avec ce temps, montrant ces parties de sa vie dans des scènes qui pourraient sembler gonflées. Mais en ce qui concerne le cadeau de Calvin, Krzykowski n'est merveilleusement pas précieux, comme lorsqu'il saute en plein milieu de la chasse de Barr pour Bigfoot, qui est conçue de la meilleure façon de la science-fiction. Pas un spoiler, la seconde moitié du film ne culmine pas avec Calvin tuant Bigfoot. Le film a tellement plus en tête.



Mais ces scènes ne sont que des couplets, et des ruminations, au refrain auquel le film nous ramène toujours : Barr, vieux et seul, avec son chien. Son héritage de titre ne lui offre pas un type d'honneur car il est assis dans sa maison, mais l'isole même de son frère Ed ( Larry Miller ), l'une des rares bouées de sauvetage qu'il avait lorsque Calvin a dû changer de nom après la mission. Et dans ce qui pourrait être la plus classique de ses touches, une femme qu'il aimait avant tout cela a disparu. 'L'homme qui a tué Hitler et ensuite le Bigfoot' est un film d'une vieille âme, qui est sage au-delà de ses décennies, tout comme Andrew Haight ' 45 ans .” Le film est plus puissant que ce que les téléspectateurs aux désirs élevés ou bas pourraient souhaiter, et il façonne un ton obsédant à partir de sa prémisse. Comme Calvin, il a des notions extrêmement compliquées et déchirantes d'héritage, de devenir un symbole, de voir les autres comme dignes de violence ou non.

Plus que son titre tue, le passage le plus captivant du film est une vitrine de la manière incroyable d'Elliott de rythmer ses mots afin que chacune de ses pensées atterrisse. Alors qu'il parle dans un gros plan prolongé à deux hommes qui veulent l'engager pour l'assassinat de Bigfoot, une conversation tranquille dans le salon donne un pouvoir énorme. 'Cela ne ressemble en rien à la bande dessinée que vous voulez qu'elle soit', dit Elliott au milieu de l'histoire, son regard pragmatique voulant désespérément mettre en garde contre l'hagiographie. Et il a raison. L'exquis 'L'homme qui tua Hitler puis le Bigfoot' de Krzykowski est encore meilleur.

Un segment de Fantasia qui m'a été raconté par un écrivain montréalais local (et RogerEbert.com contributeur) Justine Smith à surveiller de près était leur programme Camera Lucida. Avec des titres cette année comme 'Madeline's Madeline' de Josephine Decker et 'Piercing' de Nicolas Pesce, il a l'air général de projets légèrement expérimentaux qui parlent autant des talents d'un réalisateur que du film lui-même. J'imagine qu'une mascotte pour cette section doit être ' Lumière », un premier film de Tilman Singer qui a eu sa première nord-américaine à Fantasia. Ce n'est pas le premier film d'horreur à s'appuyer sur un style d'horreur plus classique (étant donné le grain de son Kodak 16 mm bien qu'il soit diffusé sur DCP, et sa partition effrayante et lourde de synthé), mais il est rare que des films soient construits à partir de cette ambiance des années 80. innovant.

Ce n'est pas amusant de décrire 'Luz' de manière narrative, en partie parce que son histoire n'est pas entièrement là. Mais c'est beaucoup plus amusant de ne se rappeler que quelques-unes de ses magnifiques images : une femme dans un bar vide, racontant une histoire bizarre à un psychothérapeute à propos d'un ancien camarade de classe et d'un démon dans leur école ; en voyant ledit ancien camarade de classe en tant que chauffeur de taxi, reconstituez une histoire de possession démoniaque devant un ancien psychothérapeute comme s'il s'agissait d'une pièce d'improvisation. Juxtaposant de longues prises à zoom lent avec une histoire qui a des impulsions vraiment imprévisibles, c'est une offre hypnotique d'atmosphère de film d'horreur. Les décors sont bizarrement vides, les acteurs sont bloqués comme s'il s'agissait d'installations artistiques et chaque composant visuel ressemble à un ingrédient intentionnel. Vous faites presque immédiatement confiance à Singer qu'il sait ce qu'il fait, et vous suivez sa vision massive à travers ses nombreux segments bizarres jusqu'à la toute fin.

'Luz' est le meilleur type de projet de carte de visite, et ce n'est pas un affront. C'est à peine une fonctionnalité selon les normes de durée (70 minutes) et il n'y a pas assez de tissu narratif substantiel pour avoir un impact encore plus grand. Mais il est composé de nombreuses images saisissantes, le résultat immédiat de la précision passionnante de Singer avec tous les aspects à tous les niveaux. Après la fin de 'Luz', vous savez que Singer va bientôt faire un grand film.

Parmi la poignée de premières mondiales de Fantasia pour les films que vous devriez absolument rechercher, il y a ' Came », une pièce d'horreur axée sur les personnages qui se concentre sur la crise existentielle de la cam girl Lola (dont le vrai nom est Alice et est jouée avec dextérité par Madeline Brewer), qui commence initialement lorsqu'elle est verrouillée sur son compte de diffusion vidéo. Mais les choses deviennent super bizarres quand quelqu'un qui n'est pas elle mais qui lui ressemble exactement commence à diffuser sous ce même compte. Et à sa plus grande horreur, mais aussi à la joie de ses fans enragés, cette autre version de Lola va au-delà des règles qu'elle s'était précédemment fixées (comme l'absence de nudité), alimentant leur désir de contrôler à la fois la vraie et la fausse Alice.

Ecrit par Isa Mazzei (d'après une histoire de Mazzei, du réalisateur Daniel Goldhaber et d'Isabelle Link-Levy), le tout a bien l'air d'un long métrage 'Black Mirror', qui en dit long sur sa qualité, mais aussi sur ses limites. . « Cam » est un cauchemar captivant inspiré par quelque chose qui n'est pas tant qu'incompréhensible mais tranquillement dérangeant, soulevant de nombreuses questions : sa perte d'agence, l'appétit insatiable pour les téléspectateurs qui objectivent la cam girl à qui ils reçoivent constamment des jetons. , et la mesure dans laquelle les hommes n'écoutent pas les femmes lorsqu'elles ont besoin d'aide. La directrice de la photographie Katelin Arizmendi donne à réfléchir sur l'entreprise, la nature fantastique aux couleurs vives du lieu de travail d'une cam girl juxtaposée à la lumière du jour des événements vraiment étranges.

Mais comme la façon dont les épisodes de 'Black Mirror' peuvent parfois se concentrer sur une idée avec quelques sujets de discussion en cours de route, 'Cam' se sent un peu mince avec son histoire. Cela fait des battements répétés, comme quand Alice est constamment dérangée par l'image d'elle que les autres voient, alors que les gens ne la croient pas. C'est le développement du personnage dans ce cas qui rend la tournure des événements de l'histoire la plus intrigante, car nous voyons différentes nuances d'hommes qui choisissent ce qu'ils veulent croire à propos de ce qu'elle a à dire, sans avoir leurs propres limites lorsqu'ils interagissent avec elle en tant qu'Alice. , pas Lola.

Pourtant, le court métrage est une excellente vitrine pour Brewer, qui porte ce film à travers tant de passages tendus et aide les téléspectateurs à reconnaître immédiatement l'humain compliqué derrière la caméra, et Goldhaber, qui saisit un terrain solide et court avec l'horreur de celui-ci. La fin ressemble un peu à une échappatoire, même avec toutes les questions existentielles flottant autour de son histoire. Mais c'est un voyage bizarre jusqu'à ce point, tout en offrant une représentation nuancée et sincère des travailleurs en solo de l'industrie du sexe.